Nunca antes lo había pensado de esa manera, pero definitivamente tengo proyectos que se sienten como “trabajo estudiantil” para mí a pesar de que se hicieron fuera del entorno escolar, y luego está mi “trabajo real” posterior, entonces, ¿qué cambió?
Diría que una gran parte del trabajo de los estudiantes en la dirección de películas es perder el control del proyecto hasta cierto punto, incluso en las películas que puedes terminar: algunas de las imágenes están mal grabadas, el sonido es problemático, una actriz no quería para hacer lo que quería que hiciera, se te acabó el tiempo sin terminar las tomas del día, etc. Luego te sientas a editar y haces una película algo diferente de la que planeaste, porque lo que tienes es diferente de lo que te lo imaginaste.
Por el contrario, una gran parte del trabajo profesional es obtener lo que planeaste y no permitir ni incluir nada que no sea de la calidad adecuada. Si el sonido no es bueno, puede volver a grabar, copiar o dejar de lado la escena. Si una toma se desenfoca, no usas esa parte, pase lo que pase.
Otra diferencia importante entre mi trabajo inicial y mi trabajo “real” es el ritmo. No solo el trabajo inicial es entrecortado porque corté las cosas demasiado duro al tratar de corregir el ritmo glacial de algunas escenas, sino que el ritmo también es diferente: hay demasiadas escenas que existen solo para hacer un punto particular y los ritmos de las diferentes escenas no van de la mano para llegar al clímax.
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En el set en sí, cuando se trataba de hacer escenas, incluso las que amaba, el trabajo de los estudiantes era como marcar artículos en una lista de tareas pendientes. Podía disfrutar de las escenas mientras escribía, ensayaba o editaba, pero el set era un lugar para hacerlas. Ahora el set es un lugar para deleitarse con lo que vale la pena de cada escena (si no hay nada para deleitarse, no lo filmo). Claro que tengo que pasar a la siguiente escena, pero en el medio estoy perdido en la maravilla de estar con todas estas personas creativas y hacer que algo imaginario suceda.
¿Cómo haces el salto? Aprendí mucho de (lo desagradable de) ser supervisado por un productor experimentado en mi primera película de más de un millón de dólares. En el primer día de rodaje, observó cómo yo tomaba la foto principal de la primera escena una y otra vez hasta que brillaba con vida, salía de la pantalla, se rompía con energía de principio a fin. Hubo muchas tomas tempranas donde alguna parte fue buena, pero finalmente conseguí que toda la escena funcionara maravillosamente en una toma de principio a fin. Me volví hacia el productor, con orgullo. “¿Por qué hiciste eso?”, Preguntó. “¿Por qué tantas tomas? No vas a usar la mayor parte. Estarás en el maestro para el comienzo, tal vez vuelvas al final por unos segundos, eso es todo “.” Bueno “, dije pensando en ello,” Llegamos aquí, estamos disparando, si algo salió mal. Quería asegurarme de que tuviéramos la escena. Estaba horrorizado. ¡Mira a la tripulación! Mira el equipo. ¡Mira los recursos que hemos comprometido con tu película! ¡TIENES que creer que vas a tener otro ángulo! ”Tenía razón. ¿Qué tipo de relojero exige que cada rueda del reloj pueda decir la hora por sí misma?
Yo diría que ese es el punto clave: reúna a la tripulación y el elenco que necesita o quiere o puede obtener. Luego, ya sea que tenga una tripulación de treinta profesionales o dos amigos, una docena de actores famosos o dos actores estudiantiles, configure el proyecto para que esté al alcance de la configuración que tenga. Luego confía y cree en esa configuración y serás un director “real”.