25. Justin Timberlake + Los niños de Tennessee
La aclamada carrera de Jonathan Demme puede incluir numerosos dramas y comedias queridos, desde Something Wild and Married to The Silence of the Lambs , Philadelphia y Rachel Getting Married, pero también es el documentalista de conciertos de música más importante del mundo. En la gran tradición de Stop Making Sense y Neil Young: Heart of Gold , Justin Timberlake + The Tennessee Kids es un emocionante showstopper centrado en su cabeza de cartel al completar su Gira Mundial 20/20 de dos años con dos shows finales en Las Vegas ‘MGM Grand (en enero de 2015) junto a su enorme banda de apoyo, Tennessee Kids. Demme captura los talentos multifacéticos de Timberlake en una colección de números de grandes éxitos, lo que le otorga una gran importancia al arte actual. En la forma en que su cámara se mueve en tomas ininterrumpidas entre Timberlake y sus compañeros cantantes, guitarristas, teclistas y trompetistas (además de enmarcarlo en medio de un mar de admiradores de la arena) Demme celebra sutilmente el alegre espíritu de colaboración que guía a Timberlake espectáculos infecciosos, y lo eleva por encima de sus compañeros de estrella pop.
24. Matar Zona 2
No se preocupe si no ha visto el precursor de 2005 de esta importación de Hong Kong a China (también conocida como SPLII: Un momento de consecuencias ): además de sus títulos, las dos películas no comparten ninguna relación. Y no te preocupes si no puedes seguir sus innumerables líneas de la trama del crimen, que involucra a un gángster de Hong Kong (Louis Koo) que vende órganos en el mercado negro y planea matar a su hermano para poder robarle el corazón. un policía encubierto de Hong Kong (Wu Jing) intentó infiltrarse en la pandilla de este rey, y un guardia de la prisión de Tailandia (Tony Jaa) tratando de salvar a su hija que está muriendo de leucemia. Lo que importa aquí es que la película del director Cheang Pou-soi presenta las mejores escaramuzas mano a mano del año, con Wu Jing demostrando destrezas hábiles en artes marciales y Jaa, él de Ong-Bak: la fama del Guerrero tailandés , trayendo la conmoción trueno a través de su marca registrada, codos y ataques de rodilla volando, que alcanzan su punto máximo con el salto, las rodillas primero, a través del parabrisas de un autobús en movimiento. El melodrama y la comedia de la película (incluida una trama secundaria que involucra a un adolescente que sufre de Síndrome de Down y un niño moribundo a través de emojis) están recocidos, pero la destreza de Jaa y Jing hacen que esto sea una visita obligada para los aficionados al género.
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23. Ouija: Origen del mal.
Casi todo el mundo estuvo de acuerdo en que Ouija de 2014, basado en el popular juego de mesa Contact-the-dead, fue un fracaso. Pero el seguimiento de esta temporada de Halloween, Origin of Evil , es una bestia completamente diferente: una pieza de la década de los sesenta, estrictamente relacionada con su predecesora, y una que fabrica el terror al hacer que uno se preocupe por sus personajes bien dibujados. . En este caso, esas son una madre y dos hijas que, mientras dirigen una estafa de sesión desde su casa, terminan en un verdadero problema sobrenatural cuando la más joven de su clan (Lulu Wilson) hace contacto con lo que ella cree inicialmente que es el espíritu de su padre muerto Otro excelente enfriador del director Mike Flanagan ( Oculus , Hush ), el mejor nuevo cineasta del horror mainstream, sobre el peligro que puede derivar de la pérdida de seres queridos perdidos, este elegante trabajo es un retroceso en términos no solo de su entorno, sino también de su preferencia por aguante el aliento e imágenes inolvidables de otro mundo sobre tácticas de miedo baratas.
22. Kaili Blues
Kaili Blues, un importante aporte sobre la relación circular entre el presente y el pasado, anuncia una nueva y emocionante voz cinematográfica en el director debut Bi Gan. En este inquietante y elíptico relato, un médico viaja a su ciudad natal para rescatar a su sobrino, quien ha sido abandonado sin ceremonias por su malvado padre jugador. Gan establece esta historia de manera oblicua, llena de alusiones sutiles e implicaciones directas. Una vez que los procedimientos se trasladan al terreno de la infancia rural del protagonista, el director captura su acción a través de una toma única de mano de 41 minutos que es impresionante en su destreza formal. Esta secuencia tour-de-force, en la que se introducen y desarrollan numerosos personajes y relaciones, está en sintonía con las circunstancias incómodas de sus sujetos, incluso cuando llama la atención sobre sí misma de manera consciente (a través de movimientos de movimiento y de trama que sugieren la propia dirección del director). presencia fuera de cámara). El resultado es un retrato único fascinante de personas atrapadas en un purgatorio entre lo que vino antes y lo que está por venir.
21. no respires
El director Fede Alvarez demostró que era un técnico talentoso con su remake Evil Dead 2013, pero es su último thriller lo que lo convierte en algo más que un simple showman detrás de la cámara. Lo último de Álvarez concierne a tres niños (Dylan Minnette, Jane Levy, Daniel Zovatto) quienes, desesperados por salir de sus circunstancias de la clase trabajadora, deciden robar a un ciego (Stephen Lang) que supuestamente posee un alijo de dinero escondido en su dilapidada casa. Su complot, sin embargo, fracasa cuando esa persona ciega resulta ser mucho más capaz, y letal, de lo que se anticipa, lo que lleva a una pesadilla de perpetradores, víctimas de víctimas, que el director organiza para la máxima tensión. Incluso cuando finalmente se convierte en bombas de tercer acto, Don’t Breathe es un trabajo de suspenso extraordinariamente sostenido, que emplea sus magníficos efectos visuales de pantalla panorámica para ofrecer un sinfín de emociones palpitantes, y que también, sutilmente, se duplica como un comentario sobre la decadencia literal, emocional y psicológica que se ha superado en el Detroit moderno de hoy en día.
20. La doncella
El autor de Corea del Sur, Park Chan-wook, se hizo famoso con historias de venganza delirantemente violentas y sexualmente desquiciadas como Oldboy , Sympathy for Lady Vengeance y Stoker, en inglés (2013) (protagonizada por Nicole Kidman y Mia Wasikowska). Por lo tanto, The Handmaiden lo encuentra de nuevo en un terreno familiar, dado que traza el esquema de un estafador para usar a un joven carterista para ayudarlo a casarse, y luego comprometerse con un manicomio, una heredera mentalmente inestable, una estafa que se complica irremediablemente. Además, avanza gracias a una serie de giros que no se ven y no se ven. Reorganizando personajes en torno a su tablero de juego narrativo como un diabólico campeón de ajedrez, Park escenifica su material con sensualidad serpentina e ingenio juguetón y sombrío, al mismo tiempo que presenta una visión de feminidad que, fiel a su forma anterior, es seductora, siniestra y poderosa. Venga a disfrutar de la lujosa decoración de época, la carnalidad desinhibida y la atmósfera ominosa, y quédese por el pulpo.
19. Más fuerte que las bombas
Joachim Trier no es un nombre familiar en Estados Unidos, pero las dos primeras características del cineasta noruego, Reprise de 2006 y Oslo de 31 de agosto de 2011 , fueron dramáticamente incisivos sobre hombres jóvenes que luchan con problemas de edad adulta, responsabilidad y arrepentimiento. Su tercer rasgo, y el primero en inglés, es este excelente trabajo sobre un maestro (Gabriel Byrne) y sus dos hijos, se casó con Jonah (Jesse Eisenberg) y el desafecto Conrad (Devin Druid), tratando de llegar a un acuerdo con la muerte. De su famosa fotógrafa matriarca Isabelle (Isabelle Huppert). La sombra de esa mujer, y los secretos que llevó a su tumba, se extienden sobre sus circunstancias actuales, llenas de fricciones, que Trier investiga con la atención de un novelista sobre la vida interior de su personaje. Utilizando un marco visual sutil y numerosos dispositivos narrativos (más enérgicamente, flashbacks), Trier’s Louder Than Bombs es menos que una mirada explosiva de las emociones fuera de control que un retrato de quemados lentos de mis seres queridos desesperados que intentan reconectarse desesperadamente, así como Conciliar sus deseos personales, artísticos y familiares.
18. la invitación
Para su primer largometraje desde Jennifer’s Body en 2009, Karyn Kusama entrega una de las mejores películas de suspenso con The Invitation , una historia sumamente desconcertante sobre un hombre de Los Ángeles (Logan Marshall-Green) que, con su novia a cuestas, asiste a una cena. conducido por su ex esposa (Tammy Blanchard) y su nuevo novio (Michiel Huisman, juego de tronos ), una situación incómoda agravada por el hecho de que los personajes de Marshall-Green y Blanchard se separaron luego de la muerte de su pequeño hijo, que ninguno superado. Kusama expone astutamente su dinámica psicológica, y ella imbuye su acción con una inquietud que sugiere que hay más en este encuentro de lo que inicialmente se ve a simple vista, y que lentamente se eleva a niveles casi insoportables. Cuando las revelaciones finalmente llegan, The Invitation se ha convertido en una obra maestra de ansiedad sostenida a pequeña escala, y tanto más escalofriante por lanzar sus horrores eventuales como el subproducto natural de la locura engendrado por el dolor.
17. silencio
Hush es el primero de los tres lanzamientos de 2016 del director Mike Flanagan (el segundo es el de septiembre, Antes del despertar , el tercero es Ouija: El origen del mal en octubre), y aunque solo se lanzó como exclusivo de Netflix, este thriller ejecutado por expertos genera un impresionante cantidad de terror de su escueto montaje. En una remota cabaña rural, una autora sordomuda llamada Maddie (la esposa de Flanagan, Kate Siegel) se encuentra amenazada por un depredador enmascarado cuyas intenciones no se extienden más allá de querer atormentarla y luego matarla. Su enfrentamiento con el gato y el ratón está trazado con una preponderancia de toma racional de decisiones y una escasez de estupideces, ¿qué están haciendo? momentos, y la lógica interna consistente basada en caracteres del material va un largo camino hacia el mantenimiento de su siniestro suspenso. Hush no tiene nada de especial interés, pero hace lo que hacen todos los grandes thrillers económicos: maximiza el terror prometido por su premisa a través de la narrativa hábil y la narración visual.
16. Los chicos buenos
Shane Black perfeccionó la fórmula de compañero de policía que no coincide con el arma letal de 1987, por lo que no es de extrañar que, 29 años después, haya entregado otra gema de duelo en el inframundo de Los Ángeles. En esta divertida comedia neo-noir de los años 70, Ryan Gosling es un torpe investigador privado que se encuentra emparejado con el ejecutor de Russell Crowe en un caso que involucra a una niña desaparecida y una estrella porno muerta. Mientras se abren camino a través de un sórdido paisaje de espectáculos, Crowe y Gosling se convierten en una pareja irresistiblemente combativa y cantankerous, con la exasperación brusca de Crowe chocando con el torpe torpe de Gosling. Energizado por un cinismo seco y irónico que bordea la desesperación fatalista, The Nice Guys es un juego de idiosincrásicos crímenes que genera un impulso humorístico a medida que avanza hacia su conclusión de misterio y revelación. Además, el improvisado homenaje de Lou Costello de Gosling es para todas las edades.
15. Chevalier
Al igual que su compatriota griego (y colaboradora frecuente), la directora de The Lobster , Yorgos Lanthimos, Athina Rachel Tsangari es una satírica social, y sus últimas obras de teatro son como una compañera del lado opuesto de la moneda del género para Attenberg del 2010. Aquí, el enfoque de Tsangari es un grupo de hombres en un viaje de pesca en alta mar que deciden que pasarán el tiempo jugando un “juego” elaborado para determinar cuál de ellos es “Lo mejor en general”. Para descubrir quién merece ese título tan elevado, estos individuos egocéntricos se dispusieron a juzgarse mutuamente de todas las formas posibles. Eso, a su vez, los lleva a comportarse de maneras cada vez más competitivas, todas las cuales Tsangari describe con un desapego que solo aumenta el absurdo mordaz de sus decisiones y acciones locas. Haciendo burla de la psique masculina masculina con observaciones agudas sobre la agresión masculina y el ego, se jacta de un ingenio inexpresivo acentuado por la cinematografía que le da una gran importancia a las imágenes fuera de lo común.
14. Abrazo de la serpiente.
Algo así como un cruce entre un documental perdido hace mucho tiempo y Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, el drama del escritor y director colombiano Ciro Guerra traza dos cursos alucinantes, durante períodos distintos y, sin embargo, inquietantemente similares, a través del Amazonas. En ambas historias, un intruso alemán busca la ayuda de un chamán nativo en su búsqueda de una planta que, según se dice, tiene cualidades curativas mágicas, con viajes separados por décadas que revelan las formas en que los intrusos occidentales han afectado a la región y sus culturas indígenas. Filmado en un hermoso blanco y negro, el cuento de Guerra es rico en detalles etnográficos, y sus actuaciones principales de los actores no profesionales Nilbio Torres y Antonio Bolivar Salvado Yangiama (tanto como el chamán) no se ven afectados y son inquietantes. Aunque es muy crítico del daño causado por la civilización moderna en esta tierra indómita, es una película que se niega a dar conferencias de manera simplista, en lugar de expresar una ambivalencia madura sobre el complicado legado del colonialismo.
13. Manchester by the Sea
Casey Affleck da uno de los turnos más importantes del año como soltero de Boston, quien, luego de la prematura muerte de su hermano (Kyle Chandler), tiene que cargar con la custodia de su sobrino (Lucas Hedges) en el drama de Kenneth Lonergan. Esa situación es creada por la tragedia, pero no es el único caso de pérdida traumática abordada por este retrato calibrado por expertos de la pena y la recuperación, dado que el solitario de Affleck, divorciado de la madre (Michelle Williams) de sus hijos, ya es un individuo profundamente marcado Con su propio dolor agonizante al hombro. La silenciosa encarnación de Affleck de este joven fracturado transmite volúmenes acerca de la miseria, la culpa y el arrepentimiento, y está acompañado por un elenco de apoyo excelente que ofrece rendimientos similares a los de los huesos. Además, cuentan con la ayuda de la evocación natural de Lonergan de su entorno frío y sombrío de Nueva Inglaterra, y con un guión que logra la hazaña no despreciable de encontrar un humor coherente en medio de tanta desesperación.
12. Paterson
Las películas del escritor y director Jim Jarmusch siempre han sido guiadas por un espíritu poético destartalado. Ese es una vez más el caso de Paterson, la historia discreta de un conductor de autobús (Adam Driver) que comparte el mismo nombre que la ciudad en la que trabaja, y cuyos días y noches se pasan escuchando las conversaciones de los pasajeros, saliendo con su Esposa despreocupada, con una mente artística (Golshifteh Farahani), que realiza caminatas nocturnas al bar con su perro no muy agradable y garabatea poesía en su cuaderno. En el transcurso de una semana relativamente tranquila en la vida de su protagonista, la historia de Jarmusch está mucho menos interesada en los grandes incidentes dramáticos que en los pequeños detalles de la rutina de la vida de Paterson, que lentamente se unen para formar un retrato mudo y melancólico de la desesperación existencial cotidiana. . Como centro de este tranquilo estudio de personajes, un hombre renunció a su destino y, sin embargo, incapaz de dejar de soñar con nuevos comienzos que podrían llevarlo por rutas novedosas, Driver es notable.
11. Las montañas pueden partir
Ningún cineasta ha sido más adepto a examinar el clima político / cultural de China que el aclamado director Jia Zhangke, y su más reciente sólo reafirma esa posición. Una historia dividida en tres, el drama trifurcado de Zhangke, con cada capítulo grabado en proporciones de aspecto visual en constante expansión, se refiere a tres amigos atrapados en un triángulo amoroso en la víspera del milenio. Si bien ese momento del comienzo de un nuevo siglo está impregnado de una esperanza acuciante, el desarrollo posterior de estas vidas de hombres y mujeres, que incluyen el matrimonio, los hijos, el divorcio y la enfermedad, proporciona respuestas deprimentes a su optimismo inicial. Abundando con comentarios desconcertados sobre el papel alienante que desempeña la tecnología en las relaciones interpersonales, y abriendo y cerrando con secuencias de danzas tonalmente opuestas que subrayan aún más sus complejos argumentos temáticos, Mountains May Depart es un estudio alternativamente divertido y sombrío sobre la evolución de un país (y de la sociedad global). , y sus ramificaciones positivas y negativas para sus habitantes.
10. luz de la luna
Moonlight es un relato de la mayoría de edad sobre un niño afroamericano afro-homosexual que vive en Florida. Esa descripción básica de la trama, sin embargo, hace poco para transmitir la incisiva poesía de la película de Barry Jenkins, cuya narrativa se divide en tres etapas en la vida de su protagonista, Chiron (también conocido como “Little” como adolescente, y “Black” como adulto). Desde su increíble primer disparo en una esquina que rodea a un narcotraficante (Mahershala Ali) que vendrá a ser el padre sustituto del joven Chiron, ya que su madre (Naomie Harris) es una drogadicta. Este drama evocador capta una sensación abrumadora de ambos. Lugar y carácter. A medida que Chiron crece, disfrutando de momentos fugaces de euforia en medio del abuso y la negligencia rutinarios, Jenkins traza las dinámicas individuales e interpersonales espinosas en las que tanto la salvación como la condenación parecen provenir de la misma fuente (o, al menos, similar). Sensible, sutil, intenso y complejo, es un triunfo de la dirección expresiva y, cortesía de Alex Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes como Quirón, así como André Holland y Janelle Monáe, un rendimiento matizado y desgarrador.
9. Jackie
El cine de Pablo Larrain está enraizado en la relación nudosa entre los líderes históricos influyentes y las personas sobre quienes gobiernan (o gobiernan con un puño de hierro). Eso es cierto de sus dos magníficos lanzamientos de 2016, aunque en el recuento final, su Neruda se queda tímido ante la penetrante majestuosidad de Jackie , una instantánea lírica poco convencional e inquietante de Jackie Kennedy (interpretada por una asombrosa Natalie Portman) en la semana inmediatamente posterior a la 23 de noviembre de 1963 asesinato de su marido, el presidente John F. Kennedy. Enmarcado por una entrevista entre Jackie y un reportero (Billy Crudup), el drama magistral de Larrain utiliza incesantes primeros planos para profundizar en la conflictiva condición interior de su sujeto, que se encuentra luchando con la pena y luchando por sentar las bases para ella de inmediato. El legado del marido. Elegante y apasionante, es un estudio de carácter de una obra de época que habla astutamente de la forma en que las palabras, y, lo que es revelador, también las imágenes visuales, son las herramientas con las que moldeamos la historia.
8. Los ajustes
El debut de 2016 no ha sido tan llamativo como The Fits de Anna Rose Holmer, un indie de pequeña escala concebido y ejecutado inmaculadamente sobre una joven afroamericana llamada Toni (excelente recién llegado Royalty Hightower) que, mientras vive en el West End de Cincinnati, pasa su tiempo trabajando en un gimnasio de boxeo local con su hermano, incluso cuando se siente atraída por el equipo de baile ganador de campeonato que practica en las mismas instalaciones. La estética precisa de Holmer se hace eco del desapego de su protagonista tanto de las pandillas pugilísticas como de la danza, en las que busca aceptación, y sus secuencias en cámara lenta de las rutinas rítmicas de la compañía tienen una fuerza y un esplendor abrumadores e hipnóticos. Fijada en el aspecto sutilmente expresivo de Hightower y su relación espacial (y emocional) con sus compañeros, la película es más que una saga de mayoría de edad; es una instantánea expresionista de una niña que intenta trascender su alejamiento, definir su identidad y encontrar un lugar para ella en el mundo.
7. Llegada
El seguimiento de Denis Villeneuve al Sicario del año pasado cuenta con la misma marca de imágenes panorámicas magníficamente portentosas, así como una protagonista femenina que se adentra en un territorio de cabeza giratoria. En este caso, sin embargo, el tema no son los cárteles de la droga mexicanos sino los extraterrestres, quienes misteriosamente llegan a todo el mundo en barcos gigantes, y que no se comunican en nada como un lenguaje humano descifrable. Ingrese al lingüista de Amy Adams, quien, junto con el matemático de Jeremy Renner, tiene la tarea del gobierno de los Estados Unidos de encontrar una manera de comunicarse con estos extraterrestres, conocidos como “heptapods” debido a su forma física de siete miembros. Lo que termina es un emocionante drama de “primer contacto” que también divide su enfoque para concentrarse en el dolor de la protagonista de Adams por la pérdida de su hija: dos hilos narrativos que eventualmente encajan en un retrato conmovedor de la naturaleza circular de la vida y la forma en que El lenguaje escrito y hablado nos ayuda a conectarnos con nuestros pasados, presente y futuro.
6. Elle
“La vergüenza no es una emoción lo suficientemente fuerte como para que no podamos hacer nada en absoluto”, dice la magnate del videojuego francés de Isabelle Huppert, Michèle, a su mejor amiga al final de Elle , y ese sentimiento ciertamente pertenece a cada uno de los personajes retorcidos que se encuentran en Robocop y El instinto básico del autor, Paul Verhoeven, revuelve el examen de las pasiones que se cruzan. Comenzando con la violación de Michèle por parte de un intruso enmascarado, su historia continúa confundiendo las expectativas en cada giro, evitando durante mucho tiempo cualquier parecido con una fantasía de venganza mientras investiga la relación de Michèle con numerosos familiares y conocidos, en su mayoría hombres, que son, de alguna forma u otro, sexualmente entrelazado con ella. El hecho de que Michele haya tenido un problema de padre oscuro y profundo no hace más que confundir el material con un deseo desquiciado y desviado (semi-masoquista), aunque la dirección compacta y fría de Verhoeven se muestra tan adepta a provocar risas como a generar suspenso. Incluso después de que se haya identificado a su “villano” violador, se demuestra que es un emocionante y misterioso estudio de suspenso por carácter sobre el poder, el erotismo y la necesidad, un trabajo único con la energía del líder Huppert. Tras una complejidad psicológica tan rica (¡y contradicciones!), deja casi todas las demás actuaciones de 2016 a su paso.
5. El infierno o el agua alta
La saga de proscritos de David Mackenzie se refiere a dos hermanos (Chris Pine y Ben Foster) que se embarcan en una ola de robo de bancos para recaudar el dinero suficiente para salvar la granja de una ejecución hipotecaria, una presunción que hace que la película sea un piercing. oportunidad. No obstante, el verdadero poder de este esfuerzo de género robusto proviene de sus estrellas y su atención a la atmósfera y al detalle de los personajes. Como los hermanos yin-yang se vieron obligados a embarcarse en su misión por necesidad, furia y temeridad inherente, Pine y Foster comparten una química convincente. Y están complementados (y, de hecho, superados) en el departamento de carisma por el siempre genial Jeff Bridges. Como el sheriff que está a punto de retirarse y está en su camino, Bridges ofrece una de sus mejores actuaciones, irradiando ingenio y arrepentimiento como una reliquia de la vieja escuela que, como los criminales que persigue, y la tierra derrotada que Deambula con su compañero nativo americano y mexicano Alberto (Gil Birmingham), está en el precipicio de transformarse en un fantasma de una época pasada.
4. Gleason
Steve Gleason era un sólido escolta de los New Orleans Saints que quedó inmortalizado en la historia del equipo cuando, durante el primer juego de la escuadra en el Superdome después del huracán Katrina, bloqueó una patada de despeje contra los Atlanta Falcons, una obra que simboliza el espíritu infatigable de regreso de la ciudad. . Trágicamente, a la temprana edad de 34 años, y en la víspera del nacimiento de su primer hijo, a Gleason se le diagnosticó ELA (también conocida como “Enfermedad de Lou Gehrig”). Utilizando abundantes imágenes tomadas por el ex atleta (parte de ella dirigida a su hijo por nacer), el documental de J. Clay Tweel detalla Gleason y la lucha de su esposa Michel con esa condición incurable. Decir que Gleason es desgarrador es una gran subestimación, pero en medio de sus horrores inductores de lágrimas, transmite un sentido genuinamente edificante de la negativa de su sujeto a renunciar, especialmente cuando se esfuerza por usar su fama para ayudar a otros con ALS. La historia de un hombre y su familia, desgarrada por la enfermedad y, sin embargo, no está dispuesta a aceptar la derrota, es la película de no ficción del año.
3. Habitación verde
El thriller más duro en años, el seguimiento de Jeremy Saulnier al Blue Ruin, aclamado por la crítica en 2013, es otro ejercicio en extremo, suspenso mordedura de clavos, esta vez sobre una banda de punk recién formada (compuesta por el fallecido Anton Yelchin, Alia Shawkat , Joe Cole y Callum Turner) que decididamente aceptan aceptar un concierto en un club de música neo-nazi rural. Cuando son testigos de las secuelas de un asesinato, se convierten en cautivos de los skinheads residentes y de su líder (un aterrador Patrick Stewart), lo que lleva a un enfrentamiento prolongado que Saulnier presenta como una serie de momentos tranquilos, llenos de pánico y estallidos de brutal. Violencia: un ritmo narrativo en sintonía con el punk y el metal que soplan a través de los oradores del lugar. Un asalto implacable en los nervios que golpea a los espectadores con la misma crueldad total exhibida por los racistas que bailan de golpe en los pisos sucios y empapados de cerveza, Green Room (que llamamos “cine mosh-pit”) deja una huella duradera .
2. La langosta
The Lobster, el director griego Yorgos Lanthimos, es una de las películas más extrañas de la memoria reciente, y también una de las más hilarantes (y sorprendentemente profundas). En esta saga negra de la sociedad del futuro, un hombre soltero (Colin Farrell) se registra en un hotel donde, por ley, debe encontrar un compañero dentro de los 45 días o ser transformado en el animal de su elección. (¿Su preferencia? Una langosta.) En esa loca locura, el perdedor solitario de Farrell se relaciona con otros tipos igualmente extraños, y trata de forjar un romance con una contraparte femenina, antes de huir a los bosques donde están estacionados los rebeldes anti-monogamia. Una comedia distópica e inexistente que también funciona como un examen bizarro-mundial del amor, las relaciones, el matrimonio y el deseo humano básico de conexión, la película de Lanthimos es esa cosa rara en el cine de hoy: un original no calificado.
1. DO: Hecho en América.
Habrá quienes argumenten que OJ: Made in America, un documental que dura siete horas y 47 minutos y está dividido en capítulos independientes, es de hecho un documental televisivo de formato largo. No obstante, gracias a una edición teatral limitada en mayo, la obra de no ficción de Ezra Edelman es elegible para los premios de películas de 2016, e incluso en un año repleto de gemas, sobresale del resto. Una obra titánica de comentarios socioculturales que sondean cuestiones de ambición, raza, fama, ego y negación, la obra maestra de Edelman pasa sus primeras tres horas inmersivas transmitiendo la personalidad magnética y la carrera atlética (y publicitaria) triunfante de OJ Simpson, además de proporcionar antecedentes de la polémica relación histórica entre la fuerza policial de Los Ángeles y la comunidad afroamericana. Ese material absorbente es el aperitivo para su posterior mirada en profundidad al “Sendero del siglo” y la eventual condena de Simpson por cargos de robo a mano armada, todo lo cual se examina desde miles de ángulos cautivadores e incisivos. Iluminada, exasperante y desgarradora en igual medida, OJ: Made in America pinta un retrato vívidamente feo de su célebre celebridad y, en el proceso, llega al centro podrido de la cultura que lo engendró.
